Vue D’exposition Damien Deroubaix, Rocket to Russia

Damien Deroubaix, I love Moscow, 2022, Huile et collage sur toile, 200 × 150 cm

Damien Deroubaix, La jeune fille, la mort et le diable, 2022, Huile et collage sur toile, 200 × 150 cm

Vue d’exposition Damien Deroubaix, Rocket to Russia / Mother Russia, 2022, Huile et collage sur toile, 200 × 150 cm

Vue d’exposition Damien Deroubaix, Rocket to Russia

Damien Deroubaix, La deuxième armée du monde, 2023, Huile sur toile, 200 × 150 cm

Damien Deroubaix, Rocket to Russia / Vladimir, 2022, Huile et collage sur toile, 200 × 150 cm

Damien Deroubaix, Sans titre, 2023, Huile et collage sur toile, 33,5 x 24 cm

Vue d’exposition Damien Deroubaix, Rocket to Russia

Damien Deroubaix, Sans titre, 2022, Huile et collage sur toile, 100 x 73 cm

Damien Deroubaix, The world keeps turning, 2022, Huile et collage sur toile, 100 x 73 cm

Vue d’exposition Polina Shcherbyna, Columns of times, 2023.

Polina Shcherbyna, Columns of times, 2023, Toile de lin non apprêtée, plis, gélatine, acrylique, 170 × 95 cm

Polina Shcherbyna, Something about a dead bird, 2023, Toile de lin non apprêtée, plis, gélatine, acrylique, 70 × 65 cm

Lors du déclenchement de la seconde partie de l’invasion de l’Ukraine par l’armée russe de Poutine, je peignais des tableaux se référant à la peinture de la renaissance allemande et ses grands thèmes traités par Dürer, Hans Baldung Grien et d’autres grands peintres : la jeune fille et la mort, le cavalier, la mort et le diable…

La barbarie russe en Ukraine occupée m’a tant touchée que j’ai transformé lesdits tableaux en procédant par collage et changement ou glissement de sens : des ectoplasmes en forme de Russie, des portraits-charge de Vladimir Poutine, et des titres permettant un glissement de sens.

Le caillou Zelensky, relecture du caillou Michaud, présent dans les collections de la Bibliothèque nationale de France, accueillera le visiteur. Comme chez son illustre aïeul, il sera question de territoire. Mais au lieu d’être couronné de divinités mésopotamiennes, les tableaux présentés dans l’exposition, y seront rejoués.

Après Nikolay Karabinovych, Daniil Revkovskiy & Andriy Rachinskiy, Polina Shcherbyna, jeune artiste de Kyiv, présentera une œuvre dans la vitrine.

Damien Deroubaix

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Combien de Kardashians ?

Qu’entend-on par « People » ?

La traduction en français du terme anglais « People » désigne le « Peuple », un groupe particulier, comme une nation, une classe sociale, un pays, des gens ordinaires…

Mais le mot « People » emprunté à l’anglais désigne des personnes appartenant à une élite.

Dans le monde anglophone, cette élite usurpe le terme « People » et devient le « People » à la place du « People ».

Des « people » comme Johnny Depp et son ex-femme Amber Heard ont fait la une des médias avec leurs querelles de couple.

Ils ont occupé les médias et sont devenus les médias.

Pendant que Depp/Heard, West/Kardashian, Pitt/Jolie, Harry/Meghan…etc occupent la scène médiatique, il n’y a plus de place pour les peuples du Soudan, de Gaza, d’Equateur, du Yemen, d’Afghanistan, du Chili, d’Ethiopie, de Birmanie, du Venezuela, du Sri Lanka…

Au début des années 2000, la campagne de l’acteur Georges Clooney contre les massacres du Darfur ont mis sous les projecteurs des médias, pour quelques temps, les exactions des génocidaires du régime militaire islamiste du Soudan qui sévissaient au Darfur depuis le début des années 90.

Combien de Clooney faudrait-il pour que les médias parlent des massacres dans le monde ?

Combien de Kardashian, pour ramener la paix dans le monde ?

Combien de Pitt, pour empêcher les Africains de se noyer en Mer Méditerranée ?

Hassan Musa, Angelina beheading Brad (d’après Caravaggio), 2022, Huile sur tissus imprimés sur bois, 106 x 155 cm

Hassan Musa, Johnny Depp versus Amber heard (d’après Rubens), 2022, Huile sur tissu imprimé sur bois, 120 x 100 cm

Hassan Musa, West versus Kardashian (d’après Delacroix), 2022, Huile sur tissu imprimé sur bois, 120 x 100 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Hassan Musa, Paul fall (3) (d’après photo de Richard Drew), Polyptique, 2023, Huile sur tissus imprimés sur bois, 300 x 300 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Hassan Musa, The entombment of a K.O.L (d’après Caravaggio), Diptyque, 2022 Huile sur tissu sur bois, 200 x 154 cm

La mise au tombeau d’un K.O.L

Un K.O.L (Key opinion leader) est une personne qui mène des actions fortes pour atteindre des objectifs politiques ou commerciaux.

Les réseaux sociaux ouvrent une immense plateforme aux K.O.L pour toucher le plus grand nombre.

Comme les réseaux sociaux ne peuvent échapper aux conflits d’intérêt, le K.O.L se trouve pris au piège des conflits sociaux.

Lorsque Jésus, le K.O.L le plus célèbre de l’Histoire, a proposé l’Amour pour sauver l’humanité, sa méthode était simple : « Rendre à César ce qui est à César et rendre à Dieu, ce qui est à Dieu. »

Bien sûr, César n’a jamais accepté ce contrat. Il voulait tout, ce qui est à lui et ce qui est à Dieu.

C’est pourquoi les histoires d’amour finissent toujours par des tragédies.

Hassan Musa, La multiplication des vierges et des toucans au large de Lampedusa (d’après La mise au tombeau, 1603, Caravage), 2023, Huile sur tissus imprimés sur bois, 117 x 154 cm

Hassan Musa, Harry and Meghan chassés d’Eden (d’après Masaccio), 2023, Huile sur tissus assemblés sur bois, 106 x 120 cm

En discutant à propos de l’exposition, Célia Muller s’excuse pour la conversation nébuleuse. Elle tient à ne pas trop en dire. Elle marche sur des œufs pour ne pas tomber dans un espace où le pathos empiéterait sur le dessin. Pour ne pas entraver l’état dans lequel il pourrait nous plonger. Les œuvres engagent à une forme d’introspection, une plongée à la fois en nous-mêmes et à l’intérieur de l’imaginaire de l’artiste qui allie le réel à l’évanescence du souvenir, voire du rêve-cauchemar. “Quand je dessine, je me casse, je disparais.” Les dessins traduisent autant ses évasions, ses fuites, qu’une poursuite obsessionnelle de souvenirs évanouis. Celia Muller mène un travail acharné où dessiner est synonyme d’anamnèse : une remontée mémorielle qui se fabrique par ajouts, soustractions, fabulations et nécessairement transformations d’un récit altéré.

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Célia Muller, Invocations 1 et 2 (Dyptique), 2023, Pastels secs sur papier, 20,8 x 29,7 cm chaque

Célia Muller, Invocation #3, 2023, Pastels secs sur papier, 20,8 x 29,7 cm

Célia Muller, Aandun 19, 2021, Pastels secs sur papier de soie, 65 x 50 cm

Tout comme la matière mémoire, le ciel est un espace infini en proie à une métamorphose constante. De la même manière que l’artiste fixe des fragments de son récit, elle fixe des moments, des états de ciel nuageux, orageux, opaque, chargé, lumineux. Le ciel et la mémoire partagent une même immensité, une même agitation, une même épaisseur et une même imprévisibilité. Un espace de perturbations.

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Célia Muller, Je voudrais être #3, 2023, Pigments d’oxyde de fer noir, 150 x 250 cm

Célia Muller, Comme le vent, 2023, Pastels secs sur papier, 48 x 64 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Célia Muller, Elles ont volé toute l’eau, 2023, Pastels secs sur papier de soie, 16,8 x 21,2 cm chaque

Célia Muller, Un trou dans le mur #2, 2023, Pastels secs sur papier, 48 x 64 cm

Célia Muller, Comme le temps, 2023, Pastels secs sur papier, 48 x 64 cm

Constitués de nuances de noirs, de gris et de blancs, les dessins imposent une forme de silence. Ils sont les résultats de gestes et d’incantations envers les éléments, envers la matière mémoire, envers l’invisible et l’indicible. L’artiste lance des incantations plurielles dans une quête intime où les mots peinent à émerger.

Célia Muller, Je voudrais être #1, 2023, Pastels secs sur papier, 21 x 29,6 cm

Célia Muller, Je voudrais être #2, 2023, Pastels secs sur papier, 21 x 29,6 cm

Célia Muller, Je te détesterai #1, 2018, Pastels secs sur papier de soie, 65 x 100 cm

Célia Muller, Un trou dans le mur #1, 2023, Monotype et dessin à l’encre taille douce, 31,9 x 24 cm

Célia Muller, L’amour et la rage, 2023, Pastels secs sur papier, 24 x 32 cm

En discutant à propos de l’exposition, Célia Muller s’excuse pour la conversation nébuleuse. Elle tient à ne pas trop en dire. Elle marche sur des œufs pour ne pas tomber dans un espace où le pathos empiéterait sur le dessin. Pour ne pas entraver l’état dans lequel il pourrait nous plonger. Les œuvres engagent à une forme d’introspection, une plongée à la fois en nous-mêmes et à l’intérieur de l’imaginaire de l’artiste qui allie le réel à l’évanescence du souvenir, voire du rêve-cauchemar. “Quand je dessine, je me casse, je disparais.” Les dessins traduisent autant ses évasions, ses fuites, qu’une poursuite obsessionnelle de souvenirs évanouis. Celia Muller mène un travail acharné où dessiner est synonyme d’anamnèse : une remontée mémorielle qui se fabrique par ajouts, soustractions, fabulations et nécessairement transformations d’un récit altéré.

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Célia Muller, Invocations 1 et 2 (Diptyque), 2023, Pastels secs sur papier, 20,8 x 29,7 cm chaque, 2 800 Euros

Célia Muller, Invocation #3, 2023, Pastels secs sur papier, 20,8 x 29,7 cm

Réservé

Célia Muller, Aandun 19, 2021, Pastels secs sur papier de soie, 65 x 50 cm

Vendu

Tout comme la matière mémoire, le ciel est un espace infini en proie à une métamorphose constante. De la même manière que l’artiste fixe des fragments de son récit, elle fixe des moments, des états de ciel nuageux, orageux, opaque, chargé, lumineux. Le ciel et la mémoire partagent une même immensité, une même agitation, une même épaisseur et une même imprévisibilité. Un espace de perturbations.

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Célia Muller, Je voudrais être #3, 2023, Pigments d’oxyde de fer noir, 150 x 250 cm, 11 000 Euros

Célia Muller, Comme le vent, 2023, Pastels secs sur papier, 48 x 64 cm,  3 000 Euros

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Célia Muller, Elles ont volé toute l’eau, 2023, Pastels secs sur papier de soie, 16,8 x 21,2 cm chaque

Célia Muller, Elles ont volé toute l’eau, 2023, Pastels secs sur papier de soie, 16,8 x 21,2 cm chaque

Vendu

Célia Muller, Elles ont volé toute l’eau, 2023, Pastels secs sur papier de soie, 16,8 x 21,2 cm chaque

5 000 Euros

Célia Muller, Elles ont volé toute l’eau, 2023, Pastels secs sur papier de soie, 16,8 x 21,2 cm chaque

5 000 Euros

Célia Muller, Un trou dans le mur #2, 2023, Pastels secs sur papier, 48 x 64 cm, 3 000 Euros

Célia Muller, Comme le temps, 2023, Pastels secs sur papier, 48 x 64 cm

Vendu

Constitués de nuances de noirs, de gris et de blancs, les dessins imposent une forme de silence. Ils sont les résultats de gestes et d’incantations envers les éléments, envers la matière mémoire, envers l’invisible et l’indicible. L’artiste lance des incantations plurielles dans une quête intime où les mots peinent à émerger.

Célia Muller, Je voudrais être #1, 2023, Pastels secs sur papier, 21 x 29,6 cm, 1 400 Euros

Célia Muller, Je voudrais être #2, 2023, Pastels secs sur papier, 21 x 29,6 cm, 1 400 Euros

Célia Muller, Je te détesterai #1, 2018, Pastels secs sur papier de soie, 65 x 100 cm, 4 400 Euros

Célia Muller, Un trou dans le mur #1, 2023, Monotype et dessin à l’encre taille douce, 31,9 x 24 cm, 1 600 Euros

Célia Muller, L’amour et la rage, 2023, Pastels secs sur papier, 24 x 32 cm, 1 600 Euros

Le collage implique des gestes liés à la sculpture. À partir d’une matière préexistante – des archives de tous types,

des images imprimées, du texte, des objets et matériaux bruts – les artistes décontextualisent, manipulent, prélèvent

et découpent des fragments de cette matière. Ces derniers sont assemblés entre eux de manières plurielles. Collés,

agrafés ou cousus les matériaux sont réunis par un geste de greffe qui va engendrer des images ou des objets

monstrueux. Le collage est un corps monstre, un corps politique. « L’ordre broie les machines désirantes qui

meuvent la corporalité. Le pouvoir gère de manière induite mais permanente l’intime et la gestion de la personne. »

L’oeuvre résultant d’un collage implique ainsi une étrangeté, une anomalie, une malformation, une différence

provoquée par un refus de conformation, une volonté de rendre visible, de montrer, ce qui dérange, déforme,

défigure et transforme. Par lui, les artistes modernes et actuel.les dissèquent et déstructurent les matériaux

préexistants pour générer de nouvelles images, de nouveaux corps, de nouveaux récits, de nouveaux écosystèmes.

Julie Crenn

Kiki SMITH, Birds with stars, 2011, Encre sur papier Népal et épreuve chromogène, 55 x 45 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Kiki SMITH, Tree Eyes III, 2011, Collage, 40 x 35 cm

Jean-Michel ALBEROLA, Absolument nécessaire, 2020, Technique mixte sur papier, 65,5 x 45,5 cm

Damien DEROUBAIX, Lucid fairytale 3, 2018-2020, Sculpture

Damien DEROUBAIX, Lucid Fairytale 2, 2018-2020, Sculpture

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Sacha KETOFF, Autoportrait Ex Voto, 2013, Série des Mythologies Personnelles, Technique mixte sur papier paraffiné, 90 x 75 cm

Barthélémy TOGUO, Take a knee, 2019, exemplaire 3/3, Empreinte de bois gravé sur papier, 65 x 50 cm

Barthélémy TOGUO, Silence = Death, 2019, Empreinte de bois gravé sur papier, 65 x 50 cm

Barthélémy TOGUO, Migrant we are all in exil, 2019, exemplaire 1/3, Empreinte de bois gravé sur papier, 65 x 50 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Jean-Michel ALBEROLA, L’érosion est aéroplane, 2019, Technique mixte sur papier, 50 x 50 cm

Jiri KOLAR, Une sculpture africaine, Vers 1980, Collage sur bois, 10 x 2 x 28 cm

Jiri KOLAR, Une niche d’oiseau, 1982, Collage sur bois, 7 x 7 x 17 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Hassan MUSA, Un black mordu par un tigre, 2010, Textiles assemblés, 217 x 350 cm

Mon titre « … mordu par un tigre » couvre une série d’images inspirées par une peinture de Delacroix intitulée « Indienne mordue par un tigre » (1856). Dans ce tableau, le couple formé par l’Indienne et le tigre renvoie à l’imagerie orientaliste où le sang des crimes colonialistes est soigneusement effacé.
Barack Obama est entré parmi les « blacks mordus par un tigre » car il a commencé sa carrière politique en détournant le rêve de Martin Luther King.
Martin Luther King, qui souhaitait une société indifférente à la couleur de la peau de ses citoyens, serait frustré d’entendre et de voir Obama se poser comme un Président noir. L’élection d’Obama en 2008 nous a tous rendus « Américains ! ».
Nous, Africains, avons voté pour Obama et nous avons célébré son Prix Nobel de la paix en 2009 car nous étions persuadés qu’il allait réparer le monde. Hélas, notre héros a attrapé « le syndrome du tigre » des chats ! Un chat atteint du « syndrome du tigre » se met en embuscade et saute sur son maître !
Obama a sans doute été l’homme le plus puissant dans une généaologie Afro-Américaine où figurent de remarquables personnalités allant de W.E.B. Dubois, M.L. King, Rosa Park, Malcolm X à Angela Davis.
Or, au lieu de tenter de « réparer » le monde, il a repris « la guerre sans fin » de G. W. Bush contre les pauvres. Le proverbe chinois dit :
« Quand on chevauche un tigre on ne peut pas mettre pied à terre ! » Ainsi entre son optimiste « Yes we Can ! » (2008), et le tragique « I can’t breathe » de George Floyd (2022), Obama laisse une société Américaine marquée par les plus grandes crises morales de la période post Guerre Froide.

Hassan Musa, Mai 2023

Jean-Michel ALBEROLA, Plié/Collé, 2020, Technique mixte sur papier, 29,3 x 23,8 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

John STEZAKER, The Kiss, 2022, Série The Kiss, Collage, 30 x 24,2 cm

John STEZAKER, The Kiss, 2022, Série The Kiss, Collage, 25,8 x 20,6 cm

John STEZAKER, The Kiss, 2022, Série The Kiss, Collage, 25 x 20 cm

John STEZAKER, Couple, 2020, Collage, 24,3 x 17,8 cm

Yesmine BEN KHELIL, O Tanit! Tu m’aimes, n’est-ce pas ?, n°6, 2017, Collage sur papier, 18,5 x 24,4 cm

Yesmine BEN KHELIL, O Tanit! Tu m’aimes, n’est-ce pas ?, n°4, 2017, Collage sur papier, 18,5 x 24,4 cm

Yesmine BEN KHELIL, O Tanit! Tu m’aimes, n’est-ce pas ?, n°3, 2017, Collage sur papier, 18,5 x 24,4 cm

Yesmine BEN KHELIL, O Tanit! Tu m’aimes, n’est-ce pas ?, n°2, 2017, Collage sur papier, 18,5 x 24,4 cm

Fritz BORNSTÜCK, Betonknacker (Engelstrompete), 2022, Huile sur toile, 100 x 80 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Yesmine BEN KHELIL, Femme tigre cage II, 2015, Collage sur papier, 11,3 x 25,7 cm

Yesmine BEN KHELIL, Femme tigre cage III, 2015, Collage sur papier, 11,3 x 27,5 cm

Yesmine BEN KHELIL, Une femme papier peint I, 2015, Collage sur papier, 11,3 x 25,7 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

Le patron est un concept qui me permet de créer, de démultiplier. Comme dans le principe de la Langue Secouée, cette matrice me permet de construire un univers. Je peux déplacer, rester dans le mouvement. Je crée des associations de formes et de mots.

#1 Aer Bulla, 2022, Tissus, teinture au thé, fils, dimensions variables

#2 Geodaisia, 2022, Technique mixte sur papier, 96 x 61,5 cm

#3 L’oeil et l’oreille dominants, 2022, Technique mixte sur papier, 71 x 90 cm

#4 Draperie, 2022, thé, calque, bleu de méthylène, graphite, aiguilles, cuivre 66 x 115 cm

#5 Immanere Manere, 2022, Technique mixte sur papier , 110 x 68 cm

#6 Langues Désinentielles, 2021, cuivre, sanguine, graphite, 66,5 x 90cm

#7 Ôdé (chant), 2022, Feuilles de soie, thé, carbone, graphite, 66 x 115 cm

#8 Enséver, 2022, coton, laine, polyester, encre, sable

#10 Vagante Fabulae, 2018, Technique mixte sur buvard, 65 x 24 cm

#9 L’Argyronète, 2018, Technique mixte sur papier, 40 x 30cm

#11 Vagante Fabulae, Technique Mixte sur Papier Buvard Sculpté, 60 x 50 cma

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

#12 To suck one’s teeth, 2021, Coton, laine, fils de polyester, 255 x 167 cm

#13 Poussée racine, 2022, coton et laine, polyester, sable, 180 x 270 x 8 cm

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

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Vendu

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

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Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

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Ancien directeur des expositions au Palais des Beaux-Arts de Charleroi de 1983 à 2002. Auteur de nombreuses publications dont la première monographie consacrée à Giuseppe Penone.

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

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Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

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Loner, 2022

Huile sur toile

50 x 40 cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

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« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7

#1POGNON

#2ROSEBUD

Jean-Michel ALBEROLA

#3

Jean-Michel ALBEROLA

CITIZEN KANE / LA SPLENDEUR DES AMBERSON, 2022

Technique mixte sur papier

44x33cm

#4

Jean-Michel ALBEROLA

ROSEBUD MOONFLEET, 2022

Technique mixte sur papier

46×33 cm

#5

Jean-Michel ALBEROLA

Les Contrebandiers de Moonfleet, 2022

Technique mixte sur papier

36x27cm

#6POGNON

#7ROSEBUD

#8ROSEBUD

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

#1

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Fritz Bornstück

Dyermakers Mark, 2021

Huile sur toile
100x80cm

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

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Fritz Bornstück

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Fritz Bornstück

Vue d’exposition Galerie Maïa Muller – Copyright Rebecca Fanuele

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Fritz Bornstück

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Fritz Bornstück

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Fritz Bornstück

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Fritz Bornstück

Ludmilla, 2022

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Fritz Bornstück

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Fritz Bornstück

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Fritz Bornstück

#16

Fritz Bornstück

United colors (Phantom Limb remix), 2022

On reconnaît dans les peintures de Fritz Bornstück quelques parentés avec les épouvantails plantés dans les champs ou avec les nains en plastique, les biches en plâtre, les statues antiques en béton, les lions et les lapins … qu’on regarde amusés dans les jardins coquets aperçus au hasard d’une promenade. Ces mondes que nous imaginons parallèles au nôtre, uniquement parce que nous n’y prenons garde, obéissent à des logiques qui ne sont pas plus invraisemblables que celles des guerres que nous menons ou des désordres que nous organisons qui laissent derrière eux des ruines et des déchets amoncelés.

Voyez la vie qui se développe dans le fouillis des buissons et des parterres, dans l’entrelac des branches, des racines, des feuilles, des fleurs épanouies ou séchées, des canettes vides, des oiseaux multicolores, des bouteilles et des mégots. Là, un bousier roule une pelote de merde en forme de crâne à moins qu’il ne promène un minuscule crâne humain à la taille de l’insecte ; ailleurs, une jeune fille en ferraille, aux jambes faites de pieds de table, portant une robe rouge, agite un drapeau et tient par l’épaule un jeune homme identique à elle, vêtu d’un arrosoir mauve ; ils sont seuls, joyeux et amoureux dans la forêt où s’entassent de vieilles bassines.

Fritz Bornstück peint des assemblages apparemment incongrus faits de carcasses métalliques et de vieilles machines usées et vides, abandonnées dans des bois et dans des prés. Mais, on le sait, la nature elle-même use d’artifices curieux ; on connait les stratagèmes étranges par lesquels passent les actes de la naissance des fleurs qui attirent les insectes qui vont les féconder, on n’ignore pas les règles compliquées qui font de la chenille un papillon ou celles qui incitent les serpents à muer en abandonnant derrière eux, dans les bois et dans les prés, une peau usée et vide.

Il y a dans ces peintures mélancoliques à la fois de la douceur et de la violence ; une violence sous-jacente et une douceur résignée qui affleurent dans un temps incertain, non défini, comme dans toutes les histoires qui se répètent de loin en loin, nourries de récits oubliés, de contes répétés, de frayeurs et de soulagements refoulés, de cachettes et d’ogres rencontrant des souris qui se changent en carrosse, de petits cailloux blancs et des morceaux de pain mangés par des perroquets multicolores.

Car, comme dans tous les contes, toutes les légendes, le merveilleux existe au même titre que ce qui forme le monde ; le merveilleux apparait naturellement. C’est une chose simple et s’il n’y a nul étonnement à savoir Daphné être transformée en laurier quand Apollon la touche, il n’y en a pas davantage à voir une cafetière ou une bouilloire jetées dans les sous-bois être naturellement la tête d’un personnage qui marche ou à constater qu’un vieux poste de radio à transistor lance à l’aide d’un porte-voix quelques muettes imprécations sous la forme d’un drapeau ou encore à découvrir qu’un bouquet de fleurs traverse une dalle de béton.

Les mécaniques ont leurs lois et, pour qui en est ignorant, elles sont mystérieuses voire incompréhensibles – ou divines, comme on a pris l’habitude de le dire quand on croit assister à un miracle.

Dans un jardin plein de fleurs et d’oiseaux, de vieilles caisses en carton et de bidons rouillés, d’herbes vertes et de coquelicots rouges, de mégots fumant et d’escargots qui grimpent sur des bouteilles vides peuplent l’univers profane aussi bien que religieux, c’est-à-dire le merveilleux qui est nécessaire à l’entendement du monde.

Laurent Busine

Laurent Busine est historien d’art et commissaire d’exposition. Ancien directeur du MAC’S au Grand-Hornu de 2002 à 2016. Ancien directeur des expositions au Palais des Beaux-Arts de Charleroi de 1983 à 2002. Auteur de nombreuses publications, dont la première monographie consacrée à Giuseppe Penone.

« C’est cette profonde humilité qui caractérise son travail. Une humilité d’ailleurs prise dans son sens étymologique, dérivée de l’humus, la terre. une expérience de corps à corps, entre le sien et celui de l’oeuvre, qui passe par un processus d’immersion. »

Guillaume Désanges, journal de la Verrière n°30, Caresser toutes les courbes de l’existence, Exposition Myriam Mihindou EPIDERME, Fondation d’entreprise Hermès, Bruxelles, 2022, p.6-7